一个很郁闷的夜晚，缩在网吧里面听Wechsel Garland和World Standard捣鼓的这玩艺，Electro-Acoustic，很清爽，像这个失望的冰冷夜晚的空气，只是没有那么多的Glitchy或者细碎的静噪音景（不然就是日本电子原音四人组Minamo或者Fourcolor在12K的那溜子路数了），Wechsel Garland有签在Takagi Masakastu出过《Eating》系列的那个德国厂牌Karaoke Kalk ，旗下还有我喜欢的Maerz。恩，好像第一次看见他名字还是在Morr底下吧。World Standard来自细晴信臣打理的Daisyworld Discs，本名Sohichiro Suzuki。下面这张他和Kama Aina合作的《Anthology Of Barbarian Folk Music》亦是简洁的无声folktronica变形记（很无语地被Discogs标注为Blues Rock和Country Rock）。

Thomas

Thomas这个在中国停留了３年的瑞典青年，是负责Notch07北京站的组织者之一，利用个人关系邀请来了 The Skull Defekts等瑞典乐队。此外他还是北京电音策划团体“白菜”（BaiCai）的成员，参与经营着和Dj Yang bing（杨兵）开在东直门好运街的“小白兔俱乐部”（White Rabbit Club）。我们希望采访他可以了解到一些北欧中国音乐节的真实内幕。

Thomas：当2005年挪威电爵钢琴演奏家Bugge Wesseltoft第一次率领他的New Conception of Jazz团队来中国表演后，他为促进北欧和中国音乐家之间的交流做出了极大贡献，直到今天他都一直在推动着这个理念。其实我们邀请的这些北欧艺人组合都非常知名，当然不是针对那种纯粹商业的音乐圈子。我们坚信音乐的质量与它流行与否并没有直接关系。

你希望Notch音乐节呈现出怎样的品质？

Thomas：我希望我们的音乐节继续扩大它在艺术性和知性两个层次上的受众范围。

Thomas：对于音乐会本身，视觉元素保证了一种完整的感官体验，为音乐表演作了形体上的补充说明。而我们相关专门策划的“北欧视觉艺术展”则为接触这些到访艺术家和厂牌在视觉艺术上的天赋提供了良机。

Thomas：对，特别是他们在我们邀请所在国艺人时都提供了巨大支持，很多程序被简化了。

Thomas：Vladislav delay长时间以来一直是我的心头所爱，我们当时都几乎难以置信他接受了Notch的邀请。The Skull Defekts肯定是另一支会“摇滚”中国观众的乐队。Supersilent和The Thing这两个来自挪威的超级组合，擅长自由爵士，他们的器乐部分值得特别关注。当然，看看这次Bugge Wesseltoft会玩出什么新花样也同样令人兴奋。

Thomas：举办像这样的一次音乐节花却了我们至少一年准备时间，这的确非常消耗精力。因为演出地点涉及到了北京，上海，广州三座城市又持续了整整三天，整个提供后勤的主办方的人员构成是很复杂的，许多人都尽到了一己之力。我们要同时兼顾操作市场，赞助，预定和推广等多个环节，这些都至关重要并且难于平衡。

Thomas：每一年我们都录制了相关的视频集锦，但是首先让人欣慰的是愚公移山这个场地，它非常适合我们的口味，希望以后可以继续保持合作关系。我们今年的观众范围和去年相比有扩大，也有一点小小的不同就是，许多从未聆听过Notch这类型音乐的人参加了进来。我们同样也在北京大学举行了场Notch开幕式表演，这令我们拥有了更多机会把新音乐介绍给不同类型的观众。

Thomas：我认为最大也是最重要的受益是促进了中国本身音乐场景的发展。许多本土艺术家拥有了与他们心仪的国外艺术家们一道闲逛的体验，哈哈，他们可以亲身观摩他们偶像的实际操作，并交流艺术成果。对于北欧艺术家们，这些受益也可以作反向理解。

Thomas：我很满意T恤和杂志在今年被制作完工。它们给我们邀请到的艺术家作了一次全面精彩的介绍，并且还有效增加了他们在中国的曝光频率。对于我们，Notch只是把脑海中的各式想法给一一现实化的外在形式。我不仅需要犀利的音乐，也需要丰富的视觉元素。

Thomas：Notch音乐节并不只是在针对一部分小圈子里的乐迷，而是致力于把五花八门分类中的高品质音乐推荐给视野广阔的听众群。

Thomas：事情总是让人在意外之后得到惊喜。开演前我们的设备出过问题，乐队们感觉到了一丝压力，但是当他们真正登台表演时，每个人都在竭尽全力，我相信到场观众们都有切身体会。The Skull Defekts的现场绽放了十足光彩。

Thomas：是的。

Thomas：我们总是期待有设想不到的情况出现，呵呵。

Thomas：我们只是想暂时放松一阵，但很快又会开始替将来计划。我们也期待今后能将Notch音乐节推广到中国一些别的地方，甚至举行在中国以外的城市。一个最简单的目标就是源源不断地邀请到令人兴奋的艺术家，给观众们留下强烈的震撼和惊喜。

Jóhann Jóhannsson

冰岛作曲家、演奏家和新音乐场景中最活跃的文化多面推手之一。2002年和2004年分别在伦敦实验厂牌Touch发表了个人专辑《Englabörn》和《Virthulegu Forsetar》，2005年签约4AD后唱片《IBM 1401, A User′s Manual》中安详、庄重、渐进和优雅的旋律，架构在管弦乐和机器声音之上，令人啧啧称奇。其实“IBM 1401系列”最初是一部在欧洲各地巡演的室内歌舞剧，后来扩充为了60人编制的弦乐团录音。

现场回顾：“冰岛艺术组织/智囊团/厂牌Kitchen Motors（又翻译为厨房马达）创始人Jóhann Jóhannsson，Kira Kira，Hilmar Jensson的表演抵达了一个视觉影像与声音艺术相互孪生的高潮，Vj与他们三人的配合也是整个Notch07所有组合里边最为完美的。Jóhann Jóhannssonde的新古典式管弦乐通过老旧的机器录音，卡带循环播放和调音台化学得以用一个极端简约的Loop版本重现，悠远，深邃而却近乎显得单调的内省，弥散在室内广播中忧伤的西西弗里蓝色神话，静寂得可以杀死昆虫的深沉，厚重闷响的大功率音箱给将近20分钟独奏蒙上一层挥之不去的阴影。背投荧幕上开始首映冰岛实验电影的一些节选，黑白含糊的8毫米胶片，军舰，码头，工矿铁塔，浓密黑烟等喻体剪切出月之暗面，Jóhannssonde把声音捏塑成一股蹒跚的复古味液体，污染源一般得扩散，在灵魂遭受冲击的曼陀罗护法坛城内部，给奔赴前线的默片队列顽固地诠释配乐。”

Jóhann Jóhannsson：我也很高兴同你交谈。关于你的问题，我想不，真的，相反我是一个相当随和的人。我对于我的音乐作品很严肃，但是私底下，完全不像是一个生活态度很严肃的人。我喜欢正装仅仅是因为它让生活变得更简单——不必再为每天到底穿什么而枉费心机……我喜欢穿上整洁套装步入一整天的感觉。

Jóhann Jóhannsson：《IBM 1401, A User′s Manual》是一次有关人类与机器的关联和界限的冥想，它试图在一些本身不存在感情的事物中发掘出一条感情纽带。我想这些音乐片段的力量正是来自那些过度表达的弦乐与冷酷机器声音之间的冲突。我喜爱在两个极端里面游走，尝试找到它们的相互关联，使之以一种独特方式共存。

“我父亲和他的IBM同事们是怎样利用这台古老计算机创作音乐的，他们又如何决定把这些旋律保存在磁带上以用作这台机器“生命”和“工作”的记录的，这个故事对我太有吸引力了。它展示了非常之多的可能性，主题性的，哲学上的，等等……它不仅仅使我为之神奇着迷，也契合了当时我自己的大部分想法。我总是对于人与机器以及人工智能的哲学道德暗示彼此的互相作用关系怀有兴趣，我们怎么给“人性”下的定义，怎么把它表现在艺术当中，我们又把多少量的“人性”给予了自己的作品……人们为他们自己的机器培养了一种“情感奴隶”，这究竟预示了什么。”这段话的原文被详细包含在我为专辑所写的随笔里，可以通过登陆网站www.ausersmanual.com搜索到。

这段文字大多是关于我们如何依赖于机器的，我们如何渐渐转变成与机器密不可分的种族的，还有这点如何影响了我们与这些无生命体间的关系。它可以衍生出许多二元主题：如“科技怀旧”对比出的那些报废了的技术、营养物质（计算机编程与抚养小孩）、身体和机器、人类和人工智能、机器同性别、科技进步与人类演变。这些主题非常有趣，你都可以在我的网站上读到，要好过我继续在这里浪费篇幅，但它们都会非常强烈地涉及到道德伦理的尺度。通常，我喜好质疑胜过回答。

Jóhann Jóhannsson：我和古典乐器一起工作，但我不会创作古典音乐，不论是新的或者以其他什么方式。我用我所能找到的一切乐器进行创作。虽然我理解给音乐划分流派的需要，但我真的不喜欢自己那么做，而总是寻找超越流派、打破边界的方式……我真的非常喜欢使用管弦乐团，把他们和电子乐元素混合在一起，这些古典乐器就具备了新的内涵。

Jóhann Jóhannsson：我认为专业性非常重要，在很多领域里我都依靠专家。这是一件非常美妙的事情：去练习一样乐器15年以获取足够的熟练在大型交响管弦乐团内作表演。很遗憾，我做不到这点，所以我更倾向于知道得更多，并且于各种不同的领域间创造联系。我习惯于看大幅图片，如果需要看到图片里的更多细节，我会使用一架放大镜。

Jóhann Jóhannsson：我喜欢非小说类文学作品和诗歌。我读书涉猎过很多有关科学、哲学和历史的知识。最近不怎么看小说，尽管一向很喜欢那种史诗般精彩的科学幻想大部头。

Jóhann Jóhannsson：感觉它们其实蛮互相纠缠的，虽然我总是尝试给予每张唱片一个独立的世界。我想要在一张唱片里创造出一个自给自足的小宇宙，如果你愿意的话可以迷失其中，或者你打算置之不理的话也当然可以。我认为一个音乐片段之下的潜在思想也相当重要。

Jóhann Jóhannsson：它是关于家庭暴力的，关于一个粗暴被制定成为标准，武力变成唯一解决问题方式的家庭。我想自己的配乐能反映一些与剧情相反的东西，一种自身世界里的善意存在，但同时表现剧中角色潜在的伤感，绝望和忧郁。

Jóhann Jóhannsson：她是一位极其重要的冰岛艺术家，一位伟大的作曲家。她启发了许多人的灵感，尤其是她的首张专辑，同样她一生都在写出好的音乐，比如我就是她与Kukl乐队合作的那张专辑的巨大“粉丝”。

Jóhann Jóhannsson：《Mysteries Of Love》是非常不同于《IBM 1401, A User′s Manual》的项目，在总体感官上它更基于一系列实际的“歌曲”，也就是那种人声和乐器占据同样比重的形式。我们想要制作一些真正能够演唱出来的片段，Erna是一个出色的歌手，那一定会非常有意思。它会比《IBM 1401, A User′s Manual》囊括更丰富的风格，从精致的环境乐小品甚至到黑暗金属。

Jóhann Jóhannsson：它们是完全不同的东西，尽管它们经常相互交叉重叠。举例《Englabörn》开始有着非常明显的歌剧院痕迹，但最后仍以一张个人专辑的面目出现。我喜欢电影配乐是因为我真的很喜欢和别的艺术作品呆在一起工作，从它们当中汲取到灵感，并与别的思想发生共鸣。

Jóhann Jóhannsson：我们需要为组织找到一个英文名字，在冰岛语里我们叫做“Tilraunaeldhusid”，这不可能被直接翻译过去，所以我想起了很早之前我听过的一张专辑就叫“Kitchen Motors”，来自一个名为“Crash Course in Science”的乐队。这似乎很符合我们，它揭穿了“厨房马达”其实根本最初不是被构想为一个厂牌的，而更像一个为实验和混种艺术提供展示机会的平台。Kitchen Motors类似一种“思想坦克”，是各式概念的背景。三人撞在一起决定一起作这个事情也是很偶然的，有的人严肃，有的人不那么严肃。另一次偶然中，我们将想法付诸了行动，有时候是自己的，但更多时候是邀请那些我们欣赏并尊重的艺术家一起工作。Kitchen Motors的理念是基于我们偶然发现到的一个事实：一群表面互不相干的艺术家，仍然具有相当可观的未被探索过的共同点。我们想创造一个大家都分享均势、互相合作的交流平台，我们只是偶然化身为一个唱片厂牌，有时是一帮制作人或者文化推手，但我们更频繁的像是一群煽动者与催化剂，让事物运转起来，然后在毫不干涉的情况下观察和学习究竟有什么结果产生。我们把这看待为一种艺术形式。

Jóhann Jóhannsson：我们邀请了曾经同我们一起合作过的艺术家，提议完成一首歌曲来庆祝Kitchen Motors的五岁生日，那也可以视作对那段时期的一次完整纪录。同样《KM7》也是了解当下冰岛独立音乐的一个绝佳样本。

Supersilent:

Superslient是北欧著名实验音乐厂牌Rune Grammofon的旗舰乐队，由四个音乐资深老鬼临场炮制出的一坛新酒。自1998年起发表数字编号专辑《1-3》起（这同时也是一张早期素材的收录合辑），现已出版至《8》，其中《7》是挪威跨媒体艺术家Kim Hiorthøy为其拍玩的黑白视频剪辑。

现场回顾：“光听“超静”（Superslient）这个名字，你绝对抽象不出他们的现场有多火爆。这典型的是一出灵敏的器乐狂徒之间的对抗。所谓狂徒，当然不是指奔驰在美国军队与伊斯兰世界战场上的乱世暴民，而是说代号“声音病毒”的声学系统工程师Helge Sten、拥有数10年古典音乐学院背景的键盘兼吉他手Ståle Storløkken（现场他弹奏一把改装过后只剩高把位的噪音吉他），多次前往极地采样民族音乐的鼓手Jarle Vespestad和欧洲当下实验音乐界炙手可热的小号手、手鼓演奏者以及歌者Arve Henriksen这4个人在近20年的音乐探索生涯中已磨砺了一种宗教朝圣式的纯粹；而所谓灵敏指沉浸在高频噪音、原始鼓击、环境采样、电核颤动、实时录音工程以及优美的键盘片断和原生态民族古器乐筑笼的星座网格里，我感受到了“一等亮星”的音符颗粒与这些颗粒表面粘稠着的黑洞一样足以容纳万物的张力，如一出裸者与裸者之间真枪实弹的存在主义表演，你未必可以抓紧一蹴而就的意象。即兴，总是一种突发性的现场创作，零星，就像落在冬天洁净池塘上的冰片，与观众们的情绪互动，融化了凝固在艺术家与听者内心各自的水源，此刻机器而幽深未知的无调噪音波浪势渐浓缩为一股洪流，穿过黑暗中随激光灯闪耀而通体透明的人形。很快，Vj们终止了这道视觉梦魇，重归平静，阴凉、平滑的键盘依然督促着一层阴霾，这是Arve Henriksen在一展歌喉，我听到一片朦胧潮湿的喉音，带着浓密的浑浊的刺，放声，像卸体的雷电，浇灌在心田，忽而瓢泼大雨，高亢凄美得非男非女，与其2007年的个人专辑《Strjon》显露的回溯、简约、悠远、克制完全是另外一番情境。进而的静，如从银河深处刮来的沙砾，走钢丝勇者的脚悬在半空尚未跌落，Helge Sten又操作着病毒酝酿新一波暗流……Superslient的高能量现场依旧余留给我一个超乎寻常的异质空间。”

首先能说说“超静”（Supersilent）这个名字是怎么得来的么？

Helge Sten：某一天我们刚弄完给《1》-《3》专辑的录音，走在大街上，看见迎面停泊的一辆蓝色卡车，当时它还带着个空气压缩机，所以车厢上就有个Logo叫作“Supersilent”。我们决定从此用它。

Helge Sten：这并非是个重点，因为Supersilent 中的三名乐队成员（键盘手Ståle Storløkken，小号手Arve Henriksen，鼓手Jarle Vespestad）曾于1989年就组建了固定的爵士乐三重奏Veslefrekk，而这个组合构成了日后我们创作声学的很大一部分基本，这么看，Superslient的历史可以回溯到很早以前。

Helge Sten：那是因为对于（专辑和曲目的）标题我们并没有一个统一的想法。所有歌曲都是在即兴中完成的，如果我们硬是要给它们添加一些名称上去，对我们而言就显得毫无意义，太空洞或者不得要领，同时也容易给听者带来一些误导。我们认为在一起创作歌曲是一个把“实际经验”给不断归档的系统，所以不如让音乐“自己讲话”吧。

Helge Sten：确切讲那不是一次总结，而是一次对于即兴创作方式更深刻实在的领会。对于我们，它（即兴）只是一种作曲工具，而非一种音乐风格。

Helge Sten：不是太多接触，但可能主要是因为我们当中只有两个居住在奥斯陆的缘故。

Helge Sten：Kim按他自己的方式做得非常好。我们完全信任他的创作能力，他也知道什么样的影像是Supersilent所需要的。

Helge Sten：不能被称作“疯狂”，但演出时我们的确是很全身心地集中和投入的。我们热爱在音乐会表演，但也不能够连续作超过三个月巡演，真那样的话强度未免就太高了。

Helge Sten：那是Arve Henriksen在用非常高的音域演唱，像他那样的嗓音的确也非常有个性。

Helge Sten：我们从没有坐下来真正意义地为了同一张专辑而工作。关于《Nordheim Transformed》，我们只是各自创作了不同曲目，最后把它们放到一起拼凑成一整张唱片。尽管如此，在它发行后，我和Biophere还是一起作了一系列巡演。歌曲在现场被演绎得很接近专辑版本，不过我们还是保留了一些即兴元素。

Ståle Storløkken：不能说是Terje主动邀请的，而是the Chasers乐队的贝司手在Terje着手创立新的三重奏时向他推荐了我。我认为古典音乐教育背景对我参与进的每个乐队组合都有过重大影响，涉及到的可以分为技巧性和音乐性两方面，它们就像人体的两只手一样是彼此独立开来的。举个例子，我可以左手掌握不断重复出现的固定音型（节奏型或旋律型），右手又弹奏一些即兴线条。现在和将来都会涌现一大批这样互相交叉获取灵感的新音乐种类，在我们同代人里，游离出自己所属的音乐流派，探索新的风格疆界，不仅是一种兴趣，也是一项能力。对于我个人，当代最伟大的音乐家总是具备了极其宽阔的视野，受到了不同种类音乐影响，他们所创作的东西肯定要远远超过只专注于某一固定流派或者音乐小圈子的人。

Helge Sten：我们负责创作音乐，他们负责撰写评论，事情应该是这样各司其职的。

Helge Sten：事实上我们对全世界所有文化都怀有兴趣，尽管中国的当代文化在挪威多少可能还不为人知。这次巡演希望有人能主动向我们推荐一些当地的新艺术和音乐作品。

Helge Sten：我们当然希望能如此。